La aclamada serie de ciencia ficción "El Problema de los Tres Cuerpos", basada en la trilogía homónima del autor Cixin Liu, ha sido adaptada a la pequeña pantalla en dos versiones distintas: aunque la producida por la plataforma de streaming Netflix es la más conocida por occidente, la otra, la versión china también ha conseguido captar la atención del público a nivel internacional y han generado debates sobre sus respectivas diferencias y debilidades, aciertos y debilidades.

¿Todavía os quedan ganas de tener hijos? Pues tranquilos que ahora os las quitamos en un santiamén con esta segunda parte, si algo posee el 7º Arte es variedad para elaborar las listas más perversas que podáis imaginar así que vamos a daros un repasito por esos clásicos inmortales con los que algunos jovenzuelos nos pusieron los pelos de punta.

American Broadcasting Company (ABC), Lynch/Frost Productions

Por fin se ha estrenado la tercera temporada de Twin Peaks tras más de 25 años y de momento no ha defraudado en líneas generales, ésta es sin duda una de las mejores series de todos los tiempos pero a diferencia de otras obras maestras, sí, habéis escuchado bien: obra maestra, esta no deja indiferente a nadie, la amas o la odias.

Siguiendo nuestro afán de transformaros en auténticos culturetas de salón, hoy  vamos a presentar una peli muy poco conocida pese a su relevancia en el desarrollo del séptimo arte, es en blanco y negro, muda y encima sueca, vamos ideal para que os linchen si la ponéis en vuestro hogar sin previo aviso.

Rodada en 1921, siguiendo la tónica habitual os aconsejamos  para su visualización el aderezo con fuertes cargas etílicas, alucinógenas o de amistades de fin de semana, que hacen más llevadera la contemplación a los no iniciados, pueden resultar inestimables los comentarios críticos que nuestras compañías realizan a estas obras maestras, yo preferentemente aprecio los chascarrillos de mi amigo Jack Daniel´s, aunque ya va en el gusto de cada uno elegir la que más se adapte a vuestras preferencias personales.

La película en cuestión fue un éxito en su estreno y le proporcionó una gran fama a su director y actor Victor Sjöström (premio especial para quien pronuncie bien el apellido sin ayuda de Internet y amigas nórdicas) pero además, y aquí viene la gracia, ha influenciado de manera notable a muchos directores, fotógrafos y guionistas hasta nuestros días. Sin duda la principal influencia a nivel popular (pese a que la mayor parte de la población le otorgue el mérito a Kubrik), está reflejado en la angustiosa y terrorífica escena de Jack Nicholson derribando a hachazo limpio la puerta del baño del hotel Overlook, con la intención de acabar con una pusilánime Shelley Duval y su hijo Dany a-veces-veo-muertos Lloyd.

Productora , UFA. Distribución Decla-Bioscop (Alemania), Goldwyn Distributing Company (Estados Unidos)

Resulta difícil aconsejar a un joven de hoy en día el visionado de cine mudo de principios del siglo XX con un objeto lúdico, pero que a su vez pueda ayudar a amueblar su cerebro y su espíritu, acostumbrados ya como estamos a la fascinante evolución técnica y narrativa en la que nos hemos sumergido, que provoca irremediablemente el tedio (lo que técnicamente llamamos puñetero aburrimiento) admitámoslo, en un gran número de obras primigenias independientemente de su calidad o los valores que trasmiten.
 
No es culpa de nadie sencillamente nuestro cerebro al igual que sucede con las drogas, va adquiriendo resistencia, se adapta y evoluciona, solicitándonos a medida que aprende sensaciones más intensas o refinadas, historias más elaboradas o sutiles.
 
Aún así por alguna razón, algunas de estas piezas son inmunes a los estragos del tiempo, produciéndonos continuamente esa extraña sensación de malestar y vacío en el estómago, con una historia que sin duda mantiene frescos los paralelismos entre las épocas.
 
Esta película es la base de un estilo de cine realizado en la Alemania de los años 20, con un corte fantástico, surrealista y estrafalario íntimamente ligado con el movimiento expresionista, adornado constantemente con efectos teatrales que deforman la realidad hasta límites monstruosos.
 
La película es un extraño cuadro deforme, donde sin tapujos podemos ver sombras pintadas en las paredes o en las facciones de los actores, lienzos irritantemente pintados a modo de fondos irregularmente estilizados hasta la locura.

HBO

Con este reportaje, iniciamos la andadura en esta sección destinada a crear una selección de todas aquellas piezas maestras independientemente de su tamaño o fecha, con la que os aconsejamos montéis vuestra biblioteca personal de obras fundamentales para entender nuestro tiempo sin tener que aburriros como tortugas al sol. Creemos  que existe toda una infinidad de contenidos de toda clase que os ayudarán a desconectaros de la dictadura de la televisión unidireccional, los blockbusters patateros y de cualquier cosa que os vendan de moderna y a la moda, pero os haga sentir como una patata vestida con chaqueta de pana y coderas.
Serán escuetas reseñas destinadas a que rápidamente podáis tener una gran referencia atemporal de esas pequeñas o grandes joyas que el tiempo o la marabunta informativa entierran en favor de un consumo rápido y sin criterio, no dudéis que será una sección de lo más alocada y descerebrada de nuestra revista, así que aquí no se admitirán quejas, porque en el fondo somos muuuuy malos, juas, juas...
 
Lo primero es lo primero, la serie se la cargaron... y da absolutamente igual.
 
Pues sí, a principios de 2016, vimos el estreno en España de la primera temporada de Vinyl, apenas pasaba medio año, cuando se supo de la cancelación de su segunda temporada. En el fondo, muy en el fondo, tampoco importaba demasiado, Martin Scorsese, Terence Winter y Mick Jagger habían conseguido con el primer episodio, disparar en el punto de flotación de una industria, una perfecta disección de la corrupción y del alma humana en una película trepidante, donde inteligentemente escondida entre blues, góspel, rock, punk, whisky, sexo y cocaína, mucha cocaína, nos relata los mecanismos oscuros de la industria discográfica para vender su producto.

HBO

El 12 de septiembre de 1980, se estrenó en la NBC una mini serie basada en la novela homónima de James Clavell  publicada en 1975, llamada Shogun y dirigida por Jerry London , la acción se desarrollaba en el Japón feudal del año 1600, algunos meses antes de la batalla crucial de Sekigahara, a través de las vivencias del marinero inglés John Blackthorne (interpretado por el actor Richard Chamberlain) cuyo papel está basado libremente en William Adams, al igual que el acceso al shogunato del daimyo "Toranaga" (trabajo de un Toshirō Mifune en estado de gracia) ,esta vez inspirado en Tokugawa Ieyasu).

Fue un completo éxito, que dio lugar a la realización de otras series, pero lo que tiene de especial y por lo que estamos hablando de ella aquí es por un hecho que a día de hoy puede resultar irrelevante, pero que no lo fue ni mucho menos para la época, podemos considerar que Shogun, fue la primera serie que afrontó con valentía varios límites de la televisión americana como el lenguaje soez, la violencia explícita y el sexo, tanto visualmente como en los diálogos, visto hoy en día, quizás nos parezca una serie casi infantil, pero en su momento aquello no fue una broma.
Hacía dos décadas que Kirk Douglas, se había enfrentado a la caza de brujas y Dalton Trumbo había firmado el guión de Espartaco (1970) , pero todavía faltaban muchos años para poder expresar muchas cosas con libertad, sobre todo en la televisión donde estábamos todavía a años luz de poder alcanzar cierta madurez.

Si una serie ha alcanzado esta libertad expresiva a día de hoy y actúa como referente es Juego de Tronos, sin quitar ningún mérito, por supuesto a House of Cards, Broadwalk Empire o la mismísima A dos metros bajo tierra.
Por supuesto que no sólo en los últimos años hemos visto toda clase de escenas, comportamientos, actitudes y visiones de cualquier cosa en cine y televisión, pero siempre a pequeña escala o como obra independiente o menor, donde podremos encontrar cualquier trama posible, o cualquier escena por perturbadora que nos parezca, bastaría con citar cintas clásicas como Pink Flamingos de John Waters (1972), El imperio de los sentidos (1976) de Nagisa Oshima, o la mismísima La sal de la Tierra (1954) de Herbert J. Biberman para presenciar la accidentada lucha del séptimo arte por la libertad de expresión.